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Esta guía fundamental le enseñará a mirar el color desde otra perspectiva. A lo largo de estas páginas profusamente ilustradas se irá adentrando en los secretos de la fotografía digital en color, desde la toma y la calibración hasta el poder físico y emocional de los colores. Aquí encontrará todo lo que necesita saber para crear con la cámara y el ordenador auténticas obras de arte.
Dentro del amplio campo del arte contemporáneo, la fotografía plástica moviliza a los artistas desde los años sesenta. Con el término “fotografía plástica” no aludimos a la fotografía creativa o de reportaje, o a cualquier otra inscrita en una historia pura y autónoma del medio, sino a la que, por el contario, atraviesa las artes plásticas, es utilizada por artistas y participa de la evolución generalizada de las diferentes prácticas. En esta “pequeña historia” se han querido establecer los principios y fundamentos de esta fotografía desde finales de los años sesenta, cuando entabla afinidades de elección con el arte de actitud y conceptual, hasta la época reciente, en que pasa a convertirse en uno de los operadores más corrosivos de la deconstrucción del movimiento moderno. Así es como la paradoja se lleva a su punto de tensión más extremo: el medio fotográfico, que tanto deseó inscribirse en el campo del arte, finalmente lo logrará, pero socavando con obstinación sus cimientos.
La manipulación de la fotografía es antigua como la fotografía misma: ha servido para la propaganda políticay también ha personificado o revitalizado la sátira, la publicidad y el arte comercial; ha creado evocaciones del “mundo feliz” del futuro, así como visiones surrealistas y fantásticas. Los dadaístas, Heartfield, El Lissitzki, Rodchenko y Max Ernst, entre otros, realizaron fotomontajes, y muchos de ellos fueron reproducidos por primera vez en este libro que ahora se ha convertido en un clásico y obra referencia obligada del tema.
Concebido como un manual de descolonización, Para leer al Pato Donald reconstruye la ideología imperialista subyacente en las relaciones entre los personajes de Disney. Para Dorfman y Mattelart, detrás de la máscara del mito Disney se esconde el insoslayable mensaje propagandístico del imperialismo cultural, del capitalismo estadounidense y del mítico “American Way of Life”.
Así, las historietas de Disney, más que un entretenimiento infantil, son un manual de instrucciones para los pueblos subdesarrollados sobre cómo han de ser sus relaciones con los centros del capitalismo internacional.
Cuando este libro fue publicado en Chile, hacía poco más de un año que la Unidad Popular había asumido el gobierno. En ese contexto, vino a perturbar una región hasta ese momento postulada como indiscutible. Los diarios de la derecha chilena lo leyeron inteligentemente: sus comentarios abandonaron las secciones bibliográficas y ocuparon un lugar en las de política; y la Asociated Press difundió un alarmando cable entre sus abonados del mundo.
La indignada reacción de la derecha contra este texto tiene un punto de partida: las publicaciones de la línea Disney son universalmente aceptadas como entretenimiento, valor lúdico que corresponde a pautas permanentes de la “naturaleza humana” y que, por lo tanto, está por encima de las contradicciones sociales. Para la burguesía, el Pato Donald es inatacable: lo ha impuesto como modelo de “sano esparcimiento para los niños”. De ahí la trascendencia otorgada a este trabajo, donde lo indiscutible se pone en duda: desde el derecho a la propiedad privada de los medios de producción, hasta el de mostrar como pensamiento natural la ideología que justifica el mundo creado a su alrededor.
Donald es la metáfora del pensamiento burgués; es la manifestación simbólica de una cultura que articula sus significaciones alrededor del oro y que lo vuelve inocente al despegarlo de su función social.
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Editorial: Consejo General de la Arquitectura Técnica de España
Año: 1999
Teoría de los colores es un libro escrito por Johan Wolfganf Von Goethe en 1810. Contiene algunas de las primeras y más precisas descripciones de las sombras coloreadas, la refracción y el acromatismo/híper cromatismo.
Muchos filósofos y físicos, entre los que se encuentran Arthur Schopenhauer, Wern Heisenberg, Ludwig Wittgenstein y Hermann Von Helmholtz quedaron fascinados por la teoría de Goethe. Michell Feigenbaum estaba convencido de que Goethe estaba en lo cierto. Su influencia se extendió al mundo del arte, en especial a la obra deJ. M. W. Turner. Turner la estudió e hizo referencia a la teoría en los títulos de muchas de sus obras.
Teoría de los colores no sólo rompe radicalmente con las teorías ópticas newtonianas de su tiempo, sino también con toda la metodología de la ilustración concerniente al reduccionismo científico. Aunque la teoría no fue bien recibida por los científicos, Goethe—considerado una de las figuras intelectuales más importantes de la Europa moderna— manifestó que su teoría del color era su mayor logro. Teorizadores holísticos y científicos como Rupert Sheldrake todavía nombran la Teoría de los colores como un ejemplo inspirador de la ciencia holística. En la introducción del libro destaca la filosofía de la ciencia única de Goethe.
[texto extraído de http://es.wikipedia.org/wiki/Teor%C3%ADa_de_los_colores]
Como señaló Herbert Read, ARTE Y PERCEPCIÓN VISUAL –cuya primera edición data de 1954 – fue “el primer intento sistemático de aplicar a las artes visuales los principios de la psicología de la gestalt”. Desde un enfoque eminentemente práctico, Rudolf Arheim –nacido en Berlín en 1904, catedrático de Psicología del Arte en la Universidad de Harvard desde 1968- deslinda los componentes básicos de la obra de arte, basándose en los resultados de numerosos estudios experimentales y mostrando la universalidad de factores como el equilibrio, la tendencia a la forma más simple y el fenómeno de figura y fondo. En esta nueva versión –completamente revisada- el texto original ha ganado en precisión, conservando al tiempo la claridad de lenguaje que lo hace accesible al lector no especializado. Otras obras de Rudolf Arheim en esta misma colección: “Hacia una psicología del arte. Arte y entropía”, “El poder del centro. Estudio sobre la composición en las artes visuales”, “Nuevos ensayos sobre psicología del arte”.
Título: Historia crítica del fotoperiodismo occidental
Autor: Jorge Pedro Sousa
Editorial: Comunicación Social
Año: 2003
Nada más oportuno para la comprensión de la historia del fotoperiodismo que la publicación de esta “Historia Crítica”, principalmente ahora, ya inmersos en la digitalización del proceso fotográfico, escrita por el profesor e investigador portugués Jorge Pedro Sousa. La traducción de este libro al castellano viene a cubrir una importante laguna editorial de nuestro panorama bibliográfico. Esta obra –estructurada en función de momentos determinante para la evolución de la actividad, y que el autor llama “de revoluciones”- muestra cómo “la fotografía de prensa fue recorriendo, a lo largo de la historia, un camino de encuentros y desencuentros, interrelacionándose con el ecosistema que la rodeaba en cada momento y ampliando el campo de visión de los seres humanos. Será ese camino el que intentaré describir en este libro, de forma cronológicamente ordenada, pues esa sistematización facilita la disposición y comprensión de los datos y, consecuentemente, las tareas del autor y del lector”. Este libro proporciona la necesaria visión histórica que permite comprender el desarrollo y la evolución de una de las más bellas actividades periodísticas, del oficio de fotorreportero, y de la propia fotografía de prensa en cuanto que objeto social, cultural, ideológico y tecnológico.
La voz oculta, trampas telefónicas, la voz sin rostro y sus poderes mágicos, la alianza imposible y monstruosa entre la voz y el cuerpo filmado, ladrones de voces, gritos de terror, cantos de sirena, silencios del cine mudo…
“¿Por qué incomprensible descuido, en el sistema de un cine que sin embargo se ha bautizado como hablado, se “olvida” de la voz? Porque se confunde con la palabra”. Esta reflexión, a la que el propio autor da respuesta, le permite, apoyándose en el cine de varios autores como Mizoguvhi, Tati, Bresson, Welles, Duras o Fellini y en particular en dos películas como Psicosis de Alfred Hitchcock y El testamento del Dr. Mabuse de Fritz Lang, asentar las bases de una teoría del cine en cuanto a lo hablado.
Convertida ya en una materia de enseñanza tan importante como la letra impresa, y a la vez terreno fascinante y parcialmente enigmático, la imagen en cuanto tal plantea ciertas cuestiones a las que Jacques Aumont –coautor de Estética del Cine y Análisis del film, ambos textos publicados también por Paidós- pretende responder con este libro. Por ejemplo, qué es ver una imagen y cómo se caracteriza ésta en cuanto fenómeno perceptivo; quién mira la imagen y qué tipo de espectador supone esa mirada; cuál es el dispositivo que regula la relación del espectador con la imagen; cómo representa la imagen el mundo real y cómo produce significados; o cuáles son los criteriosque nos llevan a considerar algunas de estas imágenes como artísticas, como pertenecientes a la esfera social del arte. Originalísima síntesis de los distintos saberes contemporáneos sobre el tema, el texto no está dirigido únicamente a estudiantes y profesores, sino también a todos los interesados en los distintos aspectos de la materia, ya se trate de la imagen fílmica, de la pictórica o de la fotográfica, por mencionar sólo algunas de las posibilidades.
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Recuerden que se pueden comunicar conmigo a través de este medio.
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